Jimin Chae interpreta la ventana Hermès con «tres columnas»

El 23 de mayo de 2025, Hermès dio a conocer sus últimas ventanas de artistas en la Boutique Liat Towers. «Tres columnas» es concebido por el artista Jimin Chae, con sede en Seúl, cuyas obras difuminan las líneas entre la fantasía y la realidad a través de pinturas de paisajes bidimensionales con elementos dispares y a menudo curiosos. Verías un cono de tráfico aparentemente flotando en el aire en uno, y los animales se colocaron como si hubieran topado una escena extraña en los demás.

Si bien las obras de Chae se ven increíblemente nítidas y casi impresas, en realidad están pintadas a mano, como descubrimos a través de un taller de arte dirigido por el propio artista. El hecho solo lo convierte en el colaborador perfecto en línea con el tema de trabajo de Hermès para el año, Atraído por la artesanía.

Charlamos con Chae para descubrir más sobre su proceso artístico, cómo se acercó a su segunda colaboración con Hermès, y si la inclusión de caballos y el uso de una Orange Hermès distinta era él manifestando la oportunidad de trabajar con la Maison algún día.

En primer lugar, gracias por el taller muy perspicaz. Pareces muy cómodo enseñando, y según tengo entendido, también enseñas en una escuela de arte. ¿Era el arte de enseñar algo que pensabas que harías? ¿Cómo surgió eso?

Jimin Chae (JC): He estado enseñando a estudiantes en las academias de arte desde mis veinte años. Para las especialidades de arte, fue uno de los trabajos a tiempo parcial más accesibles que nos permitió hacer uso de nuestras habilidades, y naturalmente comencé este trabajo por recomendación de mi mentor. Con el tiempo, finalmente vine a enseñar en Yewon School, una escuela secundaria especializada en las artes. Ahora, abordo este papel con un fuerte sentido de responsabilidad, con el objetivo de infundir la mentalidad y la actitud correctas en los estudiantes que recién comienzan a seguir las artes como su campo elegido.

«Tres columnas» de Jimin Chae desdibuje deliberadamente las líneas entre fantasía y realidad.
(HERMES)

¿Cómo llegaste a desarrollar tu estilo de arte?

JC: En mis veintes, después de graduarme de la universidad y comenzar mi viaje como artista, recuerdo esforzarme por expresar la tensión visual y la coexistencia de la «planitud» y la «espacialidad» dentro de un solo lienzo. En el proceso de construcción de un espacio imaginario nacido de la imaginación del artista en la superficie blanca materialmente plana del lienzo, tampoco elegí un atributo sobre el otro ni traté de crear confusión visual. En cambio, su objetivo era dejar que las dos cualidades coexistan en una relación ambigua dentro del mismo cuadro. Esta búsqueda del vago límite entre dos elementos coexistentes se ha convertido en un centro de mi enfoque artístico.

En mi trabajo más reciente, he extendido esta exploración más allá de la planitud y el espacio para incluir los límites ambiguos entre la realidad y la irrealidad, la naturaleza y la artificialidad.

Su trabajo implica crear una escena con elementos dispares, casi como un collage, y las pintas a veces haciendo referencia a imágenes que tomó usted mismo. ¿Qué va detrás de la conceptualización de cada trabajo? ¿Hay una idea específica incluso antes de comenzar a armar los elementos?

JC: Mi trabajo a menudo comienza construyendo estructuras incompletas o imperfectas dentro de un espacio indeterminado que se asemeja a un campo natural. En este proceso, uso un software 3D simple para controlar la luz, la sombra y los puntos de fuga, componiendo una escena altamente calculada y redactada artificialmente. Dentro de esta escena, incorporo objetos, figuras y animales, en su mayoría extraídos de fotografías que he tomado, que los llevé de una manera que parece armoniosa pero sutilmente antinatural, agregando una sensación de relaciones ambiguas a la composición.

Solo después de pasar por estos procesos de planificación laboral, paso a la pintura. Como puede sentir de esta descripción, para mí, la composición no es un proceso emocional, es altamente racional que se centra en las cualidades formales del tema. Más específicamente, construyo la imagen basada en elementos visuales como forma, color, direccionalidad y movimiento.

Los colores que usas a menudo son vívidos y ricos: rara vez son muy malhumorados o incluso sombríos. ¿Porqué es eso?

JC: Como se mencionó, el proceso de composición en mi trabajo implica muy pocos aportes emocionales. Para ser honesto, elegir colores es aún más difícil para mí que trabajar con la forma. Sin embargo, cuando los colores parecen vívidos y ricos, generalmente es porque los estoy usando intencionalmente, para enfatizar la presencia de ciertas estructuras u objetos colocados dentro de la escena. Incluso ahora, rara vez siento total confianza cuando se trata de color; De hecho, sigue siendo un aspecto experimental de mi práctica.

Primero trabajaste con Hermès para las ventanas de la Maison en Shanghai en 2023. Pero incluso antes de eso, has utilizado el Hermès Orange (y los caballos también) en muchos de tus trabajos anteriores. ¿Hay alguna razón por la que gravites hacia ese tono de naranja?

JC: En las primeras etapas de mi práctica, el cielo sirvió como un motivo clave a través del cual exploré la tensión y la coexistencia entre la planitud y la espacialidad. Como resultado, muchos de mis primeros trabajos, e incluso algunos recientes, ofrecen el cielo o las imágenes planas que simbolizan el cielo, haciendo tonos azules, especialmente azul cielo, dominantes en mi paleta. Con el tiempo, cuando comencé a reflexionar más sobre el uso de diversos colores, busqué un tono que contrastara con los tonos azules que usé con frecuencia. Eso me llevó a Orange. Hasta el día de hoy, el azul cielo y el naranja siguen siendo los colores que más me siento con la confianza en mi trabajo.

Antes de hablar sobre caballos, es más importante explicar por qué comencé a pintar animales en primer lugar. En mis pinturas anteriores, el uso de figuras humanas era bastante frío y racional. Dentro de las escenas construidas, las figuras se enfrentarían en diferentes direcciones, nunca conocerían la mirada del espectador; en caso, se alejaron o se oscurecieron sus caras. Este era un dispositivo deliberado para evitar que cualquier figura se percibiera como el «personaje principal». Los personajes fueron eliminados, dejando solo sus gestos.

Sin embargo, comencé a sentir que este enfoque estaba haciendo que la atmósfera ya fresca y lejana de la pintura se sintiera aún más separada del espectador. Fue entonces cuando comencé a pintar animales salvajes como patos silvestres, caballos y renos. En mis obras, los animales se enfrentan al espectador y parecen reconocer su presencia. En comparación con las figuras humanas, los animales son inherentemente más sujetos emocionales. Este, por supuesto, es otro ejemplo de la actitud laboral de perseguir el «límite ambiguo» que mencioné anteriormente.

(HERMES)

«Tres columnas» es su último trabajo para Hermès. ¿Qué ha aprendido de la primera colaboración que quizás ha puesto en práctica para esta instalación en particular?

JC: En pocas palabras, me acerqué al espacio dado en la Torre Liat con la mentalidad: «Que la planitud permanezca incluso más plana, y el tridimensional aún más espacial». Este intento de crear un contraste visual más activo y extremo surgió de lo que aprendí durante mi primera colaboración en Shanghai. En última instancia, todo se reduce a la misma pregunta con la que siempre he lidiado en mi práctica de pintura: ¿cómo pueden los temas que exploran constantemente en una superficie plana ser traducidas y visualizadas dentro de un espacio físico real?

Has mencionado que muchos de los elementos en «tres columnas» representan cómo Hermès continúa desafiando la tradición con la modernidad. ¿Cómo fue el proceso de conceptualización para «tres columnas»?

JC: Recuerdo que cuando me acercaron por primera vez para la colaboración, me dieron una presentación sobre cómo la marca reinterpreta y utiliza sus tradiciones en un contexto contemporáneo. Lo que me dejó una impresión particularmente fuerte fue la historia de cómo Robert Dumas encontró inspiración en una cadena de anclaje que encontró junto a la playa, una observación que finalmente condujo al diseño de Cadena de anclaje. Lo que me sorprendió aún más fue cómo este motivo único ha sufrido innumerables reinterpretaciones y variaciones en los últimos 80 años, continuando reinventándose en diversos materiales y formas. Esta capacidad de reconocer el valor de diseño en algo aparentemente trivial, crear a partir de él y mantener vivo ese legado a través de la reinterpretación moderna constante, que, para mí, define la identidad de esta marca.

Por lo general, no me acerco al lienzo con una gran narrativa o un significado predeterminado. Mi idea inicial era simple: esbozar el espacio en forma de cubo de las ventanas de la Torre Liat en mi cuaderno de bocetos, y dibujar libremente dentro de él mientras se mantiene fiel al tema Atraído por la artesanía. Dibujé tres líneas diagonales que caen sobre el espacio, que se convirtieron en las «tres columnas». Estas líneas inclinadas finalmente tomaron la forma de columnas griegas clásicas, no como un símbolo intencional o referencia mitológica, sino como una forma de introducir una tensión formal en el espacio.

Sin embargo, a medida que avanzaba el trabajo, estas columnas comenzaron a asumir nuevos significados. Comenzaron a sugerir un flujo de tiempo, una estructura que insinúa la tradición, el presente y el futuro como posibilidad. Los objetos organizados alrededor de las columnas hacen referencia a la herencia de la marca y contribuyen a una atmósfera sutilmente fantástica, difuminando el límite entre la realidad y la imaginación.

Las imaginaciones modernas basadas en la sólida estructura de la tradición, que, para mí, refleja el espíritu creativo que Hermès persigue constantemente. «Tres columnas» es mi interpretación y expresión personal de esa filosofía.

Hay mucho juego entre la realidad y la fantasía en «tres columnas» y creo que se hace eco de cómo se ven la moda y el lujo. ¿Cuál es quizás una parte emocionante de trabajar con una maison de lujo como Hermès?

JC: Ese es un punto interesante. Si una marca de lujo como Hermès busca colaborar con un artista contemporáneo como yo, es probable que sea porque esperan que me acerque al espacio vacío de la ventana de la misma manera que me acerco a un lienzo en blanco, a través de la lente de mi propio proceso y perspectiva.

Si bien las marcas de moda y los artistas contemporáneos pueden no estar muy separados dentro del amplio reino del «arte», sus propósitos fundamentales son bastante diferentes. La moda, en esencia, se basa en la funcionalidad y la belleza para el usuario. El arte, por otro lado, a menudo se inclina hacia dejar espacio para la ambigüedad, para las emociones y pensamientos que resisten la interpretación inmediata. Es por eso que encuentro la tensión y la disonancia sutil que surgen cuando estos dos mundos, con directionalidades tan diferentes, sean tan fascinantes.

Pareces muy abierto a las ideas y el arte creativos de los demás. Pero, ¿cómo manejas las críticas a tu propio trabajo?

JC: Exactamente. Incluso dentro de los mundos que creo en lienzo, rara vez construyo una narración específica: en caso de que dejo espacio para que se desarrolle la imaginación del espectador. Mi búsqueda de límites ambiguos puede, para algunos, parecer una postura evasiva o pasiva. Entiendo que tal enfoque podría estar abierto a las críticas, y sigo siendo receptivo a esas perspectivas con humildad. Sin embargo, a pesar de esa apertura, tengo una fuerte convicción y una cierta terquedad cuando se trata de los métodos y actitudes que he desarrollado durante muchos años de práctica en evolución.

¿En qué esperas que la gente sienta o piense cuando ven «tres columnas»?

JC: Como todos mis trabajos anteriores, esta pieza estaba destinada a no transmitir una narración específica, sino seguir siendo un espacio abierto lleno de diversos significados formados por la interpretación y experiencia del espectador. Espero que cuando las personas se encuentren con «tres columnas», cada una cada uno me recuerde sus propias historias, deteniéndose por un momento para reflexionar o sentir emociones. No creo que una respuesta clara y definitiva del artista sea necesaria en este proceso. Por el contrario, espero que el trabajo se convierta en un lugar donde coexisten múltiples interpretaciones y respuestas, lo que permite a cada persona descubrir su propio significado único dentro de él.

¿En qué estás trabajando a continuación?

JC: Recientemente, incluidas mis dos últimas colaboraciones, he estado ampliando mi práctica en el trabajo de instalación. Sin embargo, tengo una visión crítica de mí mismo en el sentido de que aún no he encontrado una razón convincente por la cual las preocupaciones que exploré en la pintura plana deben continuar necesariamente en forma espacial. Debido a esto, se podría decir que mis trabajos de instalación hasta ahora han sido impulsados ​​más por la «voluntad» a intentar que por una «razón» claramente definida. Aunque aún no tengo un plan concreto para un proyecto específico, tengo la intención de reflexionar profundamente sobre la necesidad de que mis pinturas evolucionen en instalaciones, buscando una justificación significativa para esta transición.

Las ventanas de la artista de Jimin Chae, «Tres columnas», están a la vista ahora hasta el 20 de agosto de 2025 en la Boutique Hermès Liat Towers. Esta entrevista ha sido editada por longitud y claridad.

Este artículo fue visto por primera vez en Esquire Singapur.

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