La escena artística del sudeste asiático ha sido ignorada durante mucho tiempo en las conversaciones globales, pero una ola dinámica de artistas emergentes está desafiando esta narrativa. Estos profesionales se basan en un rico patrimonio cultural, experiencias personales e historias regionales, transformándolas a través de la escultura, la performance, la pintura y la instalación. Su trabajo a menudo aborda cuestiones sociales y políticas apremiantes, incluidos el género, la identidad, la memoria y el cambio social, mientras experimentan con la materialidad y la forma. Desde las intrincadas composiciones textiles de Samuel Xun de Singapur hasta las intervenciones escénicas de Thyitar de Myanmar, esta generación está utilizando la creatividad para interrogar tanto las realidades locales como las preocupaciones universales, señalando un nuevo capítulo para el arte contemporáneo de la región.
Samuel Xun, Singapur
Samuel Xu. Foto: Cortesía de Dior, Richard Koh Fine Art y Juliana Tan.
El artista singapurense Samuel Xun (n. 1994) une la moda, la cultura material y las políticas de identidad a través de obras escultóricas y textiles que examinan la construcción del yo. Graduado de LASALLE College of the Arts, la práctica de Xun revela una relación meticulosa con los materiales, transformando cintas, cristales y textiles en capas en composiciones intrincadas y abstractas que brillan con textura y emoción. Las instalaciones de la artista de 31 años a menudo parecen ornamentales pero introspectivas, yuxtaponiendo superficies brillantes e hiperfemeninas con temas de rareza, autoterapia y vulnerabilidad. Cada obra se convierte en un estudio del exceso y la moderación, invitando a los espectadores a mirar más allá de la estética y confrontar cómo se forma, interpreta y percibe la identidad. Representada por Richard Koh Fine Art, Xun ha expuesto en todo el sudeste asiático e internacionalmente, con obras en colecciones privadas e institucionales, incluida Christian Dior. Su arte encarna un cambio más amplio en la escena contemporánea de la región, donde la narrativa personal y la experimentación material convergen para articular nuevas formas de expresión cultural.
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Zulkefli Jais, Malasia
Nacido en 1996 en Perak, Zulkefli Jais representa una nueva generación de artistas malayos que unen la identidad local con el diálogo global. Trabajando a través de instalación, performance y medios mixtos, su práctica examina la historia social y los paisajes psicológicos del desplazamiento. Su aclamado proyecto “Temporary Marking”, inspirado en su ciudad natal de Teluk Intan, traduce la experiencia colectiva en forma escultórica, explorando cómo la geografía y la historia dan forma a la pertenencia.
A través de figuras abstractas e instalaciones dirigidas por la comunidad, Zulkefli confronta cuestiones de anonimato, poder y vulnerabilidad, reflexionando sobre cómo las personas navegan en sistemas de conformidad y supervivencia. Sus obras, basadas en una narrativa personal pero de amplio alcance, ofrecen una visión estructurada de la evolución de la psique cultural de Malasia. Ganador del Premio Joven Contemporáneo Mayor (Bakat Muda Sezaman 2023) y representante de Malasia en la Bienal de Gwangju 2024, Zulkefli se encuentra entre las voces más prometedoras del sudeste asiático que redefinen cómo las historias regionales se relacionan con la forma contemporánea.
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Aimi Kaiya, Tailandia
La artista Aimi Kaiya, radicada en Bangkok, trabaja sobre papel y lienzo, empleando acrílicos, óleos, barras de óleo, carboncillo, pasteles suaves y pintura en aerosol. Sus composiciones semiabstractas combinan colores vivos, superficies texturizadas y estructuras minimalistas para explorar las sutilezas de la vida cotidiana. Basándose tanto en motivos formales como en elementos naturales (flores, lagos, cielos), las obras de Kaiya equilibran la espontaneidad con la creación disciplinada de marcas, invitando a los espectadores a considerar momentos de belleza y reflexión efímeras.
Su pintura abstracta “Romance en Venecia” fue premiada en la Bienal de Chianciano 2022 y ahora forma parte de la colección permanente del Museo de Arte de Chianciano. Este trabajo, como gran parte de su práctica, demuestra un enfoque en capas del medio y la técnica, fusionando múltiples tipos de pintura para crear superficies dinámicas y profundas. La práctica de Kaiya se basa en su experiencia en psicología clínica y una exploración autodidacta del expresionismo abstracto, que utiliza para investigar la percepción, la identidad y la resonancia psicológica del arte. Kaiya ha presentado exposiciones individuales en ICONSIAM, Slowcombo y KICH Gallery en Bangkok y ha participado en exposiciones colectivas internacionales, incluida la Bienal de Arte de Londres de 2023. Sus obras articulan un diálogo entre las sensibilidades locales y la práctica contemporánea global, lo que la marca como una voz emergente notable en la escena artística del sudeste asiático.
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Nguyen Phuong Linh, Vietnam
Nguyen Phuong Linh es un artista conceptual radicado en Hanoi cuya práctica multidisciplinaria abarca instalación, escultura y vídeo. Su trabajo investiga los cambios culturales, las raíces tradicionales y las historias fragmentadas de Vietnam, explorando la tensión entre verdades visibles e invisibles. A través de una cuidadosa recolección y transformación de artefactos, construye nuevas formas que ofrecen interpretaciones alternativas de narrativas personales e intercambio histórico.
Criada en Nha San, uno de los primeros espacios dirigidos por artistas de Vietnam y cofundado por su padre, Linh estuvo inmersa desde una edad temprana en un entorno creativo y ha seguido contribuyendo a la comunidad artística local como artista y curadora. Cofundó Nha San Collective y ha organizado proyectos notables, incluido el festival internacional de artes escénicas IN:ACT y la serie de exposiciones “Skylines With Flying People”. Linh ha expuesto ampliamente en Asia, Europa y Estados Unidos, incluida la participación en la Bienal de Asia Pacífico, la Bienal de Kuandu, Documenta 15, San Art Vietnam y el Centro de Arte Contemporáneo Factory en la ciudad de Ho Chi Minh. Su trabajo equilibra la abstracción poética con una investigación conceptual rigurosa, reflexionando sobre la impermanencia y las intersecciones de la geografía, la cultura y la historia. Los premios de la Fundación Pollock-Krasner, la Fundación Hans Nefkens, el Fondo Príncipe Claus y el Consejo Cultural Asiático reconocen su compromiso internacional y su práctica innovadora.
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Leang Seckon, Camboya
Leang Seckon es una figura destacada de la escena artística camboyana contemporánea cuya práctica abarca la pintura y las técnicas mixtas. Creció durante los bombardeos estadounidenses de Indochina y el régimen de los Jemeres Rojos, su trabajo refleja la historia reciente, los recuerdos de la infancia y el trauma colectivo de Camboya. A través de collages y pinturas, examina narrativas sociales, históricas y personales, utilizando materiales tanto tradicionales como recuperados, para explorar la continuidad, la pérdida y la renovación.
Seckon se graduó en la Universidad Real de Bellas Artes de Phnom Penh, donde más tarde se estableció como pionero del emergente movimiento de arte contemporáneo de Camboya en la década de 2000. Su trabajo se ha exhibido extensamente en Camboya e internacionalmente, incluida la 8ª Trienal de Arte Contemporáneo de Asia Pacífico, la Bienal de Shanghai, la Trienal de Arte Asiático de Fukuoka, Art Basel Hong Kong y exposiciones individuales en Rossi & Rossi en Londres y Hong Kong.
Sus proyectos a menudo fusionan el compromiso comunitario con la práctica artística. Ejemplos notables incluyen The Rubbish Project y Naga, una instalación a gran escala en Siem Reap, que crean conciencia ambiental e involucran a las comunidades locales. Las pinturas de Seckon, como la serie “Tierra Dorada”, representan la vida de las comunidades rurales, el río Mekong y el patrimonio cultural de Camboya, reflexionando sobre cómo la historia, la geografía y la tradición dan forma a la identidad contemporánea. Seckon describe su trabajo como una respuesta a la experiencia tanto personal como colectiva. Utiliza el arte para cuestionar la libertad y al mismo tiempo enfatiza la importancia de la preservación cultural. Al unir la reflexión histórica con la experimentación contemporánea, Seckon demuestra la resiliencia y la identidad en evolución del arte camboyano dentro de la escena más amplia del sudeste asiático.
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Hongsa Khotsouvanh, Laos
Hongsa Khotsouvanh es uno de los principales artistas contemporáneos de Laos. Trabajando desde el estudio de su casa en la ciudad capital de Vientiane, Khotsouvanh es conocido por sus intrincados collages de periódicos, creados a partir de tiras de papel de un centímetro de ancho extendidas sobre un lienzo. Estas obras exploran los contrastes entre la vida tradicional de Laos y el rápido desarrollo económico del Laos moderno, representando desde triciclos Samloo, cestas tejidas y casas con techo de paja hasta automóviles de lujo, centros comerciales y teléfonos móviles. En lugar de ofrecer una crítica abierta, sus collages presentan estas contradicciones con una perspectiva equilibrada, mezclando recuerdos nostálgicos con la emoción del progreso contemporáneo.
Imágenes cortesía de la Fundación de Arte Contemporáneo Aura
Además del collage, Khotsouvanh trabaja en acuarela, óleo y carboncillo, produciendo delicadas escenas del río Mekong, flores de loto y la vida rural. Estas obras ofrecen una reflexión más suave sobre la cultura laosiana, complementando su práctica de collage. A través de ambos medios, Khotsouvanh captura las experiencias vividas por las mujeres laosianas, incluidas las de comunidades de minorías étnicas en Luang-Namtha y la zona urbana de Vientiane, destacando narrativas sociales como los roles de género y la vida familiar. Khotsouvanh, graduado del Instituto Nacional de Bellas Artes, comenzó su carrera creando carteles de salud pública para ONG en el norte de Laos antes de dedicarse de lleno a su arte. Su trabajo ha sido incluido en exposiciones como “Sunshower: Contemporary Art from Southeast Asia 1980s to Now” en el Museo de Arte Mori y el Centro Nacional de Arte de Tokio, en 2017, lo que demuestra su creciente influencia regional.
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Citra Sasmita, Indonesia
Citra Sasmita, nacida en Bali, es una artista contemporánea autodidacta cuyo trabajo interroga el arte, la cultura y las normas de género balinesas. Basándose en elementos tradicionales, mitos y la técnica de pintura Kamasan, Sasmita crea composiciones que reimaginan la mitología a través de la lente del empoderamiento femenino. Su proyecto a largo plazo, “Proyecto Timur Merah; Puerto de espíritus inquietos”, se exhibió en Para Site Hong Kong y presenta pinturas de piel de vaca que combinan referencias hindúes y balinesas con narrativas contemporáneas, retratando geografías de figuras femeninas y elementos naturales.
La práctica de Sasmita desafía las jerarquías históricas de género y los conceptos erróneos sobre la cultura balinesa mientras explora temas seculares y pospatriarcales. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente, incluido un Premio de Oro en la Pintura del Año de la UOB 2017, su inclusión en la Bienal de Yogyakarta 2019 y exposiciones individuales como “Oda al Sol” en Yeo Workshop, Singapur en 2020.
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Thyitar, Birmania
Thyitar, también conocida como Khyin Mint, es una artista de performance contemporánea de Myanmar cuyo trabajo aborda las intersecciones entre la feminidad, la religión y la restricción social. Basándose en sus experiencias de crecer en una familia islámica conservadora y una sociedad políticamente limitada, utiliza la actuación para desafiar las rígidas normas de género y resaltar las luchas que enfrentan las mujeres. Su notable pieza denominada “Matrimonio” explora las complejidades de la intimidad y las expectativas sociales, donde cuestiona los marcos tradicionales de género y relaciones.
A pesar de las limitadas oportunidades formales, Thyitar ha obtenido reconocimiento en Asia y Europa, incluidas nominaciones para el Sovereign Asian Art Prize 2020 y participación en festivales internacionales como el Nippon International Performance Art Festival, Tokio/Osaka (2015) y el Field of Vision Performance Art Festival, Alemania (2017). Su práctica encarna una generación de artistas del sudeste asiático que utilizan la expresión creativa para negociar fronteras sociales, culturales y políticas, afirmando una visión contemporánea arraigada en la experiencia personal y colectiva.
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