Los museos han sido durante mucho tiempo lugares de escape, donde los visitantes se alejan de la realidad para explorar el pasado, desde joyas preciadas hasta artefactos históricos. Sin embargo, las mismas instituciones construidas para el escapismo están ahora bajo intensa atención, moldeadas por inversiones de miles de millones de dólares, influencia privada y debates renovados sobre la propiedad y la responsabilidad cultural. Los museos han sido tradicionalmente espacios de escape, pero hoy en día están más visiblemente moldeados por los intereses de quienes curan sus historias. Aun así, esa influencia no ha borrado la sensación de asombro que siguen ofreciendo a los visitantes.
Aún así, reconocer estas tensiones no borra el asombro que inspiran estos objetos. Un collar dorado, una estatua antigua o un tapiz centenario pueden tener un peso emocional y cultural que trasciende la ideología. Los visitantes pueden reconocer la belleza y el significado de lo que ven y al mismo tiempo preguntarse cómo llegaron esas piezas allí y qué historias representan. Incluso cuando se intensifican los debates en torno a la restitución, la transparencia y la ética del coleccionismo, el museo sigue siendo uno de los pocos lugares donde el asombro y la responsabilidad deben coexistir.
Museos: el nuevo megaproyecto de una nación
El debate mundial sobre los museos se reavivó recientemente con la enorme inversión de Egipto en el nuevo Gran Museo Egipcio (GEM) del país. Los eventos previos y la ceremonia de apertura a gran escala del GEM son un excelente ejemplo de cómo los proyectos culturales se han convertido en parte de esfuerzos estratégicos para recuperar la autoridad narrativa, atraer turismo de alto valor y posicionar a Egipto como un centro global para el patrimonio y el espectáculo. La escala por sí sola indica un cambio en el que los museos ya no son espacios pasivos sino activos nacionales con peso político y económico.
La economía turística de Egipto está experimentando un crecimiento significativo, con ingresos que alcanzarán un récord de 14.400 millones de dólares en 2024. Según el Consejo Mundial de Viajes y Turismo (WTTC), el sector turístico de Egipto es vital para el país, ya que contribuyó con el 3,7 por ciento del PIB en el año fiscal 2024/2025 y creó millones de empleos. El sector de viajes y turismo de Egipto ha superado su desempeño previo a la pandemia, generando 2,7 millones de puestos de trabajo en 2024, superando su máximo de 2019. Se espera que el impulso continúe, y se prevé que el empleo alcance los 2,9 millones en 2025, un aumento del 22,3 por ciento con respecto a los niveles de 2019. La presidenta y directora ejecutiva del WTTC, Julia Simpson, señaló que Egipto está presenciando una “fuerte reactivación”, con una producción económica récord y un crecimiento sostenido en el gasto de los visitantes. Destacó que la riqueza cultural del país, la creciente conectividad y la inversión estratégica del gobierno en infraestructura y turismo sostenible están impulsando esta trayectoria ascendente y fortaleciendo la posición de Egipto como destino global.
Sin embargo, pocos días después de la apertura de GEM el 1 de noviembre de 2025, después de más de dos décadas de desarrollo, estalló el caos en la venta de entradas. Sólo en un día, se vendieron más de 27.000 entradas, superando con creces la capacidad diaria “segura” del museo de 20.000. Se informó que miles de compradores de entradas fueron rechazados, lo que generó protestas en las redes sociales y quejas de que muchos egipcios no pueden asegurar el acceso. Algunos incluso pidieron intervención a los parlamentarios. Un político ha criticado públicamente el sistema, argumentando que la asignación actual de entradas coloca a los ciudadanos egipcios en una “categoría secundaria”, lo que plantea serias dudas sobre si el museo es realmente accesible al público al que debe servir.
Esto planteó un problema mayor en torno a cómo la ambición del museo de ser un atractivo turístico de clase mundial puede estar en desacuerdo con las expectativas locales en lo que respecta al acceso y la inclusión. A esto le sigue un retraso de décadas en el cronograma de construcción del Gran Museo Egipcio, que también refleja un desafío más amplio como agitación política interna, crisis económicas, perturbaciones pandémicas y ahora conflictos regionales. Sin embargo, es sin duda en estos tiempos cuando los lugares de escapismo como los museos son más necesarios. El GEM es una declaración geopolítica y cultural: un proyecto de poder dinámico lanzado en un momento de volatilidad. Considerado como una de las instalaciones arqueológicas más grandes del mundo para una sola civilización, el GEM es una maravilla en sí mismo, ya que alberga más de 100.000 artefactos antiguos de las 30 dinastías del antiguo Egipto en una superficie de 500.000 metros cuadrados.
Incluso cuando Egipto invierte miles de millones en la construcción de museos y transforma su patrimonio en megaproyectos, estos hitos culturales se desarrollan en un contexto de inestabilidad. Sin embargo, el éxito del GED demuestra que estos esfuerzos pueden coexistir con una nación que navega por la volatilidad y, paradójicamente, intensifica el asombro que rodea la ambición del GEM.
Los nuevos agentes del poder cultural
El tema de la Gala MET de 2026 es “Arte de vestuario” y la financiación del evento por parte del fundador de Amazon, Jeff Bezos, y Lauren Sánchez es más que un gesto filantrópico. Señala cómo la riqueza privada determinará potencialmente el tono, la dirección y las prioridades de las instituciones culturales. En su nuevo rol, la pareja presidirá todo, desde las invitaciones hasta la logística y la presentación general del evento. Anna Wintour elogió públicamente a Sánchez como “un activo maravilloso para el museo”, una cita que subraya cómo las instituciones se están reposicionando en torno a la influencia de los mecenas con patrimonios ultra altos.
El lanzamiento de “Costume Art” será un hito ya que es la primera exposición que ocupa las nuevas Galerías Condé Nast del Met. El curador Andrew Bolton lo describe como transformador para el estatus de la moda dentro del mundo del arte, colocando el cuerpo vestido en el centro de la narración del museo. Sin embargo, cuando estos momentos culturales emblemáticos dependen de la financiación multimillonaria, se puede entender por qué se pone en duda qué visión de la cultura se está elevando y, en última instancia, ¿para quién es el museo? Su nombramiento rompe precedentes ya que históricamente las casas de moda heredadas han sido los patrocinadores principales porque dan forma a la dirección creativa del evento. Un multimillonario tecnológico asociado con la moda rápida y el comercio electrónico global se siente desalineado con el ADN cultural de la Gala. En ese mismo sentido, la asociación de Amazon con la moda rápida y la explotación laboral está en tensión con el enfoque de la Gala MET en la artesanía y el arte.
Sin embargo, también hay que presentar un argumento pragmático. En una era en la que la financiación pública para las artes se está reduciendo y los museos enfrentan costos operativos crecientes, el patrocinio privado a gran escala se ha vuelto esencial para sostener una programación ambiciosa. Sin patrocinadores dispuestos a financiar alas enteras o exposiciones de varios años, instituciones como el MET podrían tener dificultades para construir el tipo de experiencias de clase mundial que el público espera ahora. Se podría argumentar que, independientemente de quién firme el cheque, la preservación del arte y el avance de las industrias creativas siguen siendo los beneficiarios finales.
También hay algo que decir sobre cómo estos nombramientos estratégicos de figuras controvertidas contribuyen a la continua relevancia de la Met Gala. Después de todo, el evento sólo se convirtió en un verdadero fenómeno global en la década de 1990 y principios de la de 2000, cuando Anna Wintour asumió la presidencia en 1995 y lo transformó de un evento de recaudación de fondos especializado a un espectáculo impulsado por celebridades ampliamente conocido como los Oscar de la moda.
Robo, autenticidad y la cuestión de la propiedad
El reciente atraco al Louvre ha causado un efecto dominó, desencadenando una ola de escrutinio público, revelando brechas en la seguridad y resaltando una cuestión más amplia sobre cómo los museos adquieren y autentifican sus colecciones. El 19 de octubre, cuatro hombres utilizaron una carretilla elevadora robada para acceder a la Galería Apollo del Louvre, haciéndose pasar por trabajadores con conos y chalecos reflectantes. Dos subieron al ascensor, forzaron una ventana y rompieron dos vitrinas, agarrando nueve piezas mientras blandían amoladoras angulares para protegerse de los guardias. Los ladrones se llevaron una colección de joyas con un valor estimado de más de 100 millones de dólares en lo que se describió como una “puñalada en el corazón de la historia francesa”. Entre los artículos robados se encontraba un collar de esmeraldas con más de 1.000 diamantes que Napoleón regaló a su segunda esposa, la emperatriz María Luisa de Austria, y un conjunto de joyas de diamantes y zafiros usados por la reina María-Amélie y la reina Hortense.
Este incidente revivió debates de larga data sobre los artefactos de la era colonial y la transparencia. Para muchas instituciones –especialmente en Europa– el foco de atención se ha vuelto a centrar en la divulgación total. ¿Cómo llegaron aquí estos objetos y deberían ser devueltos? Dicho esto, en un solo incidente, el robo del Louvre impulsó a las joyas de la corona francesa, en gran parte nacionales, al reconocimiento internacional, logrando un nivel de visibilidad que ningún esfuerzo de marketing podría igualar. «Debido al drama, el escándalo, el atraco, la propia Galería Apollo y las joyas que quedan probablemente recibirán una nueva atención y se convertirán en celebridades, al igual que la Mona Lisa después de 1911», dijo Anya Firestone, historiadora del arte de París y experta en patrimonio autorizada por el Ministerio de Cultura.
El Museo Británico y el peso de las colecciones coloniales
El Museo Británico sigue enfrentando críticas por conservar artefactos de antiguas colonias, hasta el punto de que mantiene una página web dedicada a los “objetos en disputa de la colección”. El escrutinio público se ha intensificado en los últimos años, no solo sobre piezas históricamente cruciales como los Mármoles del Partenón y los Bronces de Benin, sino también a la luz de un gran escándalo interno entre 2023 y 2024, cuando alrededor de 2.000 artículos (en su mayoría joyas, gemas y monturas de oro) fueron descubiertos desaparecidos, dañados o robados de sus almacenes, y algunos supuestamente aparecían a la venta en línea. El escándalo provocó dimisiones de personal, agudizó las dudas sobre la seguridad y reavivó debates más amplios sobre la restitución y la repatriación, aunque restricciones legales como la Ley del Museo Británico de 1963 hacen que los retornos permanentes sean extremadamente difíciles.
En agosto de 2023, el museo reconoció públicamente que hasta 2.000 objetos faltaban o estaban dañados, principalmente por almacenamiento más que por exhibición pública. Muchos eran valiosos artículos de oro y piedras preciosas de colecciones romanas y griegas. Las investigaciones revelaron que algunos habían sido desfigurados o vendidos ilegalmente. El museo respondió iniciando una investigación interna, despidiendo a un empleado y buscando asistencia pública. Si bien desde entonces se han recuperado cientos de objetos, algunos, como monturas de oro derretido, se han perdido irremediablemente.
Esta violación de la seguridad amplificó las críticas a la prolongada negativa del museo a devolver los artefactos en disputa a sus países de origen, una postura a menudo justificada con el argumento de que otras naciones tendrían dificultades para protegerlos. La parlamentaria Bell Ribeiro-Addy describió este argumento como “insultante” y señaló que, no obstante, los artículos robados terminaban en plataformas como eBay. Ha instado a reformar la Ley de 1963, que restringe legalmente al museo la devolución permanente de objetos excepto en casos de duplicación, daño o falta de interés público, un proceso que de otro modo requeriría nueva legislación.
La controversia también ha acelerado los llamados globales a la restitución y ha resaltado la necesidad de que los museos se reconcilien con los orígenes de sus colecciones en la era imperial. La violación también contrasta directamente con las propias afirmaciones del Museo Británico de que están combatiendo activamente el comercio global de antigüedades saqueadas, trabajando con las fuerzas del orden del Reino Unido y socios internacionales para identificar y devolver los objetos traficados. Desde 2009, ha afirmado haber repatriado 2.345 artículos a Afganistán, Irak y Uzbekistán, incluidas esculturas budistas dañadas durante la iconoclasia talibán de 2001 y posteriormente sacadas de contrabando del país. Estas piezas restauradas se exhiben ahora en una nueva exposición antes de ser devueltas al Museo Nacional de Afganistán.
En la sociedad actual, altamente consciente de la cultura, la falta de transparencia en torno a los artefactos tomados (o robados) durante la era colonial británica inevitablemente disminuye la forma en que los visitantes perciben lo que están viendo. Retener estas piezas es también un símbolo persistente del poder colonial, especialmente cuando muchas de ellas están ligadas a tradiciones religiosas o culturales y, por lo tanto, tienen un significado más profundo en sus países de origen que el que jamás podrían tener detrás de una exhibición de vidrio al otro lado del mundo de donde fueron tomadas.
En un intento por mantener su posición como uno de los museos más importantes del mundo en el futuro, el Museo Británico necesita equilibrar la percepción pública, la preservación histórica y el imperativo moral de devolver objetos que fueron adquiridos mediante medios de explotación. Estas decisiones moldearán la forma en que las generaciones entienden el legado del imperio y la ética del coleccionismo, mucho después de que se desvanezca la atracción inicial por la maravilla del museo y el escapismo curado.
Escapismo versus responsabilidad
¿Deberían los visitantes simplemente disfrutar de la fantasía de lo que ven sin cuestionar su procedencia? Algunos sostienen que los museos deberían seguir siendo espacios de asombro y escape, no salas de audiencias para agravios históricos. Sugieren que los visitantes deberían sumergirse en las historias, la belleza y la fantasía que curan los museos, sin la carga del contexto político. Sin embargo, incluso este deseo de escapismo plantea su propia pregunta sobre si los museos todavía pueden ofrecer pura fantasía cuando sus fundamentos están cada vez más bajo examen ético. Quienes compran un billete deberían poder apreciar y cuestionar lo que ven ante ellos y cómo llegó allí.
Como institución, el museo moderno se sitúa en una encrucijada entre la fantasía, la responsabilidad y el poder cultural. Es al mismo tiempo un santuario, un imán turístico, un instrumento político y un campo de batalla ético. A medida que los viajeros buscan experiencias más profundas y los gobiernos y los multimillonarios remodelan el panorama cultural, la escapada a los museos se vuelve más compleja (y más reveladora) que nunca.
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