Los titulares de la moda en 2025 actualmente encierran en el tema de los «sillas musicales de moda» con salidas de director creativo y diseñadores más jóvenes en el timón de legendarios maisons de lujo. A medida que la industria de la moda camina la delgada línea entre la gestión de la creatividad, las tendencias del consumidor y los márgenes de ganancias, Luxuo recuerda a los diseñadores que una vez interrumpieron el sistema por completo. Los visionarios que se alejaron del centro de atención en sus propios términos antes de que las ambiciones de diseño estuvieran en desacuerdo con Tiktok Virality y la próxima caída con frente de celebridades.
Si bien la industria de la moda en 2025 se mueve más rápido que nunca, algunas de las figuras más influyentes de la moda han elegido caminos alternativos. Sus historias no son sobre colecciones de regreso o dominio de Instagram sino de longevidad cultural. Mientras la industria examina quién está y quién está en las principales casas, estas leyendas continúan construyendo legados en otros lugares, ya sea por curación, colaboración, educación o arte. Luxuo revisa los visionarios vivos tanto de ropa lista para usar como de la vanguardia, desde Christian Lacroix hasta Martin Margiela, para rastrear su continua influencia en el diseño contemporáneo, la academia y la administración creativa.
Martie Margela
Mucho antes de un lujo tranquilo jugado con el anonimato y la contrarandring, Martin Margiela construyó una filosofía entera que desaparecía del centro de atención. Martin Margiela se acercó a la moda como una forma de investigación intelectual y cultural. Sus diseños cuestionaron estructura, función y significado. Utilizó la ropa como medio para criticar el sistema desde adentro, creando una postura radical que redirigió el enfoque por completo al trabajo, no al diseñador. La firma de Margiela incluía costuras crudas, revestimientos expuestos y construcciones de adentro hacia afuera, que mostró en edificios abandonados, parques infantiles o estacionamientos, lo que brinda atención a los espacios urbanos pasados por alto. Para muchos, Martin Margiela es visto como alguien que sentó las bases para diseñadores como Raf Simons, Rick Owens y Vetements que lo vinieron.
Desde que se alejó de su sello homónimo en 2008, el escurridizo diseñador belga ha pasado completamente al mundo del arte contemporáneo. «Para mí, la moda en su forma actual ha perdido por completo su atractivo. Han pasado 15 años desde que salí de mi casa de moda y nunca me he arrepentido de la decisión», dijo al Dr. Jeni Fulton, para Art Basel en 2023. El trabajo actual de Margiela continúa su fascinación por la deconstrucción y los temas que definieron su práctica de moda. Ahora trabajando en escultura y ensamblaje, se involucra con objetos encontrados, fragmentos, silicona y materiales que enfatizan la tactilidad e imperfección. Un ejemplo destacado: «Vanitas», una pieza compuesta de esferas de piel de silicona con pelos incrustados en diferentes tonos, reflejando el envejecimiento y el cambio corporal.
Influenciado fuertemente por el surrealismo y su presencia en la cultura visual belga, las piezas de Margiela a menudo incorporan el cabello, el polvo y los elementos descartados, convirtiendo lo mundano en lo poético. Exhibida con Zeno X Gallery (Amberes) y más recientemente se muestra en Art Basel Hong Kong (22-25 de marzo, 2023), sus esculturas resisten la finalización y desafían las ideas convencionales de belleza, autoría y el papel del artista. Su primera exposición individual fue en Lafayette Fastitions en París, donde presentó más de 40 obras de arte. A pesar de su fama, Margiela siempre ha sido conocida por su anonimato y aversión al ojo público. Todavía evita principalmente entrevistas y fotos. Fue curador de la edición del 25 aniversario de una revista comisariada por un raro regreso a la esfera de la moda.
Ann Demeulemeester
Ann Demeulemeester saltó a la fama a mediados de la década de 1980 como parte de un colectivo de graduados de la Real Academia de Bellas Artes llamadas el «Amberes Six». Lanzó su sello homónimo con su esposo, el fotógrafo Patrick Robyn en 1985 y organizó su primer espectáculo de París en 1991. Después de agregar ropa masculina en 1996, se convirtió en una de las primeras diseñadoras en presentar juntas colecciones de hombres y mujeres. La colección Spring/Summer 1997 de su etiqueta fue ampliamente elogiada como la encarnación más destilada del espíritu de la marca. Conocido por su oscura y poética sastrería y un fiel seguidor global, Demeulemeester se alejó de la marca en 2013, escribiendo que era lo suficientemente maduro como para crecer sin ella. La compañía, administrada a través de BVBA 32 en Amberes y dirigida a largo plazo de la directora gerente Anne Chapelle, continúa operando tiendas independientes en Amberes, Tokio y Hong Kong.
Ann DeMeulemeester ha cambiado su enfoque de la moda al diseño de interiores. Desde 2019, Ann Demeulemeester ha colaborado con la casa de diseño belga Serax en un universo en evolución de artículos para el hogar, comenzando con colecciones de porcelana (Dios y Real academia de bellas artes), cubiertos y cristalería y luego expandiéndose en iluminación escultórica y objetos luminosos. En 2022, la asociación culminó en una línea de muebles a gran escala que comprende heces, sillas, mesas, consolas y sofás creados en una variedad de materiales expresivos. El enfoque de Demeulemeester de diseño sigue siendo tan riguroso intelectualmente como emocionalmente resonante, evitando tendencias fugaces a favor de un mundo que es profundamente personal y contextualmente relevante. Su trabajo continúa encarnando las dualidades: la tensión entre la fuerza y la delicadeza, la estructura y la facilidad, lo poético y lo radical, lo precioso y lo utilitario.
En 2023, Ann DeMeulemeester debutó su fragancia, «A» que describió como una creación profundamente personal, una destilación de su sensibilidad e instinto, perfeccionada durante toda una vida de exploración intuitiva. Centrado alrededor de su inicial, «A» se le dio vida a través de una lente profundamente personal, con fotografías y contribuciones de diseño de su esposo e hijo. Cada nota del perfume sin género fue compuesta por la propia diseñadora, aprovechando su afinidad por las formas más crudas y más elementales de la naturaleza. Hecho a mano con aceites esenciales prensados en frío de la mayor pureza, el resultado es un aroma poético y enigmático que refleja la tensión y el equilibrio que a menudo se encuentran en su trabajo: estructura y serenidad, misterio y claridad.
Si bien ya no dirige la dirección creativa de su etiqueta homónima, ahora bajo la administración de Claudio Antonioli, continúa dando forma a su futuro consultando sobre proyectos especiales e iniciativas heredadas.
Helmut largo
Helmut Lang fue descrito una vez como el disruptor minimalista original que trajo uniformes e industrialismo a la corriente principal de la moda, y luego renunció en la cima para convertirse en artista. Con un lenguaje de diseño arraigado en el minimalismo, la claridad arquitectónica y una comprensión intuitiva de la subversión, Helmut Lang jugó un papel en la configuración del panorama de la moda a lo largo de la década de 1990 y principios de la década de 2000. Desde la sastrería aguda hasta la marca retrocedida, su influencia persiste en el ADN de innumerables casas de moda de hoy.
El enfoque de la autoría de Lang era igualmente tan radical como sus elecciones estéticas. Incluso después de donar gran parte de su archivo a 20 museos globales, su presencia sigue siendo tranquila pero omnipresente a pesar de esquivar el centro de atención y rechazar el tipo de culto a la personalidad que definió a muchos de sus contemporáneos. Conservado en el Mak en Viena, su trabajo ha sobrevivido a su época y continúa hablando en la gramática visual de hoy.
En 2005, Lang se alejó de la industria de la moda para dedicarse al arte. El cambio fue un regreso a una larga llamada, como él lo expresó: el arte visual fue su primer amor. Simplemente tomó tiempo, y la ruptura correcta, volver. Con sede en Long Island, Lang ahora trabaja con materiales que hablan de transformación. El caucho desechado, la espuma, la cera y el alquitrán, algunos incluso los restos de su vida anterior en la moda, se reconfiguran en esculturas viscerales. Son abstractos, pero densos de memoria e imbuidos de la violencia tranquila de la experiencia vivida. En sus propias palabras, se siente atraído por las cosas con «cicatrices y recuerdos de un propósito anterior». Al igual que su trabajo en la moda, Lang nunca fue formalmente entrenado en el arte. Trabaja por intuición: dejar que los accidentes, el trauma y la historia dirigen el proceso. Incluso el fuego que destruyó parte de su archivo de moda personal se convirtió en material para la escultura: la destrucción se convirtió en reinvención. «Compost costoso», lo llama.
Hoy, Helmut Lang trabaja como artista a tiempo completo, dividiendo su vida entre Nueva York y los Hamptons. Los esfuerzos artísticos de Lang se han exhibido en varias galerías e instituciones, incluido el Centro de Arte y Arquitectura MAK en Los Ángeles, el Proyecto Chimenea en Long Island y Sperone Westwater en Nueva York. También ha sido objeto de exposiciones individuales, como «lo que queda atrás» en el Centro Mak, que muestra sus obras escultóricas. Sus esculturas evocan el cuerpo humano sin representarlo: fracturadas, crudas y en estados de convertirse. Lang permanece deliberadamente elusivo: tímido con cámaras, aversión a los medios, sin interés en la cultura de celebridades. Cuando no está en su estudio y en su hogar, está atendiendo a su jardín, donde reflexiona sobre el cambio climático y el colapso civil. Para Lang, hacer arte no es terapéutico tanto como una obligación y una forma de luchar con la incertidumbre del mundo y darle una nueva forma material.
Jil Sander
Desde el momento en que Jil Sander lanzó su boutique de Hamburgo en 1968 y luego su primera colección de ropa de mujer en 1973, Sander refinó implacablemente una estética sartorial arraigada en la modernidad. Su trabajo contrasta con la extravagancia de la década de 1980, ofreciendo en cambio una sensualidad más tranquila e intelectual que se convertiría en su sello distintivo. Guiado por el deseo de redefinir la moda femenina, las prendas de Sander buscaban desafiar los códigos de género obsoletos. Su fragancia «Pure», lanzada en 1979, encarnaba esta filosofía tanto en nombre como en diseño. En la década de 1990, su influencia había impregnado la industria de la moda. A pesar de múltiples salidas de su marca homónima, sobre todo después de su adquisición de Prada en 1999, Sander regresó de manera intermitente, dejando una impronta cada vez. Más allá de su marca, las colaboraciones como la línea +J ampliamente popular para Uniqlo permitieron que su visión purista llegara a una audiencia más amplia.
Si bien se ha alejado de la moda como una persecución a tiempo completo, Jil Sander no se ha retirado del diseño. En cambio, ha cambiado su enfoque creativo a nuevas industrias, más recientemente, muebles. Su última aventura la ve colaborando con la famosa marca alemana Thonet, reinventando la famosa silla S 64 del diseñador de Bauhaus Marcel Breuer. El lenguaje de diseño de Sander se define por una sensibilidad aguda a la proporción que se traduce perfectamente en los muebles. Como ella misma dice: «Una vez que construyes los alrededores de acuerdo con tu gusto, cada nuevo interés encajará».
Ahora con sede en Hamburgo, Sander trabaja entre dos villas del siglo XIX que renovó con el mismo ojo exigente que una vez dio forma a sus colecciones de moda. Estos espacios serenos y llenos de luz son parte de su proceso creativo como su estudio alguna vez. En 2024, lanzó «Jil Sander por Jil Sander», una monografía que abarca su carrera creada en colaboración con el diseñador Irma Boom y el erudito Ingeborg Harms. A diferencia de las retrospectivas tradicionales, el libro es inmersivo y refleja el ritmo y la complejidad de un desfile de moda. Lleno de imágenes en capas y reflexiones personales, ofrece una visión rara de un diseñador que ha evitado durante mucho tiempo el centro de atención. A pesar de alejarse de las demandas comerciales de la industria de la moda, la presencia de Sander sigue siendo tan fuerte e influyente como siempre.
Donna Karan
En el apogeo de su éxito, Donna Karan no solo diseñaba ropa, sino una nueva forma de vestirse para las mujeres modernas. Cuando lanzó su marca homónima en 1985 después de trabajar con Anne Klein, Karan trajo una visión profundamente personal a la moda estadounidense que reconocía las complejidades de la feminidad moderna. Su concepto innovador, «siete piezas fáciles», fue vista como un armario cápsula y una filosofía sartorial. Con algunos productos básicos intercambiables como un traje de trajes, una chaqueta a medida, falda, pantalones, tejido de cachemir, capa de cuero y un aspecto de noche, Karan ofreció a las mujeres un uniforme práctico que podría cambiar sin esfuerzo de día a noche, sala de mesa a cóctel.
Después de décadas a la vanguardia de la moda, Donna Karan renunció a su marca en 2015. Aunque Donna Karan enfrentó algunas críticas por sus puntos de vista políticos, la disminución de la marca en la década de 2010 fue en gran medida el resultado de los gustos de los consumidores en evolución. La mujer empoderada y impulsada por la carrera que definió la visión de Karan en los años 80 y 90 ya no reflejaba las prioridades de una nueva generación. Ella cambió su enfoque a la creación de «Zen urbano», una marca de estilo de vida y una fundación filantrópica lanzada en 2007. El Zen urbano se basa en el bienestar y el consumismo consciente, lo que refleja la creencia de Karan de que el diseño debería sanar y empoderar. A través de la fundación, aborda problemas como el agotamiento en la atención médica, el trauma en las comunidades desatendidas y la erosión de la cultura en regiones posteriores a la crisis como Haití.
Ahora a mediados de los 70, Donna Karan sigue siendo una fuerza en el bienestar y los espacios filantrópicos. Ella es activa en las redes sociales (@Donnakaranthewoman), donde comparte vislumbres de sus pasiones actuales: caballos, curación, familia y la evolución de su trabajo a través del Zen urbano. Aunque ya no supervisa la marca Donna Karan New York, las campañas recientes bajo la dirección de G-III Apparel Group continúan encarnando el espíritu original de la marca, actualizados para una nueva era. La riqueza de Karan, estimada en USD 590 millones en 2025 por Forbes, refleja no solo su éxito comercial sino la relevancia duradera de sus ideas.
Calvin Klein
Calvin Klein construyó su imperio en 1968 con una línea de abrigos y vestidos, convirtiéndose en una fuerza cultural a través de la sastrería minimalista, el marketing provocativo y una comprensión centrada en el láser del espíritu estadounidense. Desde revolucionar el denim a fines de los años 70 hasta convertir los anuncios de ropa interior en arte alto en los años 90, su marca era sobre imagen, sexo y confianza tanto como sobre la ropa misma. Aunque se alejó de la marca hace más de dos décadas después de venderla a PVH Corp., la influencia de Klein permanece profundamente entretejida en el ADN de la marca.
Desde la venta, Calvin Klein no ha participado en el diseño o las decisiones comerciales de la marca Calvin Klein. Se sabe que Calvin Klein compró y vende propiedades de alta gama, incluidas casas en Hamptons, Miami Beach y Los Ángeles. A pesar de que ya no está al timón, el nombre de Calvin Klein y las iniciales de CK siguen siendo altamente reconocibles en el mundo de la moda. La fragancia se convirtió en otro pilar del éxito de la marca. Los aromas como «obsesión», «eternidad» y «ck one» ganaron cientos de millones anuales, con «ck one» solo generando más de USD 90 millones al año en su apogeo. En 2003, Klein vendió su compañía a PVH Corp. en un acuerdo por valor de más de USD 700 millones, incluidos efectivo, acciones y regalías, asegurando su lugar entre las figuras hechas a sí misma más ricas de la moda.
Klein ha construido una cartera de bienes raíces personales, desde una propiedad de East Hampton vendida por USD 85 millones hasta un complejo minimalista frente al mar en Southampton y una mansión modernista en las colinas de Hollywood, sus casas reflejan la misma filosofía de diseño que lo hizo famoso. Aunque ha salido en gran medida del centro de atención, Klein todavía hace apariciones ocasionales en los eventos de la industria y permanece activo políticamente, especialmente en apoyo de candidatos demócratas, causas LGBTQ+, investigación del SIDA e iniciativas de salud mental.
Jean Paul Gaultier
Jean Paul Gaultier forjó una carrera de cinco décadas que redefinió la moda a través de la rebelión y una negativa a cumplir con las normas de la industria. Interrumpiendo en la industria de la moda con solo 18 años sin ninguna educación formal en la moda, consiguió un puesto con Pierre Cardin después de enviar sus bocetos directamente a Couturiers. En 1976, había presentado su propia colección y en 1983, lanzó su casa de moda homónima, sientando las bases para un legado que empujaría límites como pocos otros. Los diseños de Gaultier siempre se han parado en la encrucijada del arte, el activismo y la cultura pop. Inspirándose en fuentes multiculturales, que van desde guerreros mongoles hasta estilo callejero parisino, su trabajo era subversivo. A lo largo de los años 80 y 90, forjó poderosas asociaciones creativas con íconos culturales. Su colaboración más famosa, diseñando el icónico sujetador de cono para la gira de ambiciones rubias de Madonna, consolidó a ambas reputaciones como provocadores.
Jean Paul Gaultier ya no es el director creativo de su casa de moda homónima, habiéndose retirado de ese papel en 2020, vendiendo la compañía al grupo PUIG. Después de su retiro, la Casa Jean Paul Gaultier adoptó un modelo de diseñador invitado giratorio para la línea de alta costura. En abril de 2025, Duran Lantink fue nombrado el nuevo director creativo, marcando un cambio del sistema de diseñadores giratorios. Si bien ya no está diseñando las principales colecciones, Gaultier sigue involucrado en la tutoría y el apoyo a los nuevos talentos, así como supervisar las colecciones de alta costura. Está involucrado en varios otros proyectos, incluido el «espectáculo de fanáticos de la moda», una producción teatral inspirada en su vida y trabajo y la exposición «Cinémode». La sede de Jean Paul Gaultier está ubicada en 325 Rue Saint Martin en París. Gaultier terminó sus líneas listas para usar y de alta costura, pero reinventó su legado al invitar a los diseñadores invitados, desde Glenn Martens hasta Simone Rocha, para reinterpretar su archivo de cada temporada de alta costura.
Christian Lacroix
Christian Lacroix surgió a fines del siglo XX como una de las voces más distintivas de la moda. Desde las calles de Arles, Francia, hasta las grandes etapas de la Semana de la Moda Parisina, Lacroix aprovechó el drama, el color y las referencias históricas, desafiando las nociones tradicionales de alta costura. Su colección debut presentaba la ahora icónica «Pouf Skirt», una silueta dramática y voluminosa que personificaba su enfoque teatral. A finales de los años 80 y 90, Lacroix fue un pilar en alta costura, adorado por su trabajo sin disculpas ornamentado. Los colores brillantes, el bordado opulento, el corsetrismo y las referencias históricas fueron sellos distintivos de sus colecciones.
A pesar de su fama y elogios críticos, la marca de Lacroix enfrentó inestabilidad financiera. La etiqueta luchó para obtener ganancias en la década de 1990 y en 1995 fue adquirida por LVMH. Aunque Lacroix se mantuvo como director creativo, tenía poco control sobre las decisiones comerciales. Para 2009, después de años de pérdidas y tracción comercial limitada, la marca se declaró en bancarrota. Lacroix, desilusionado con la estructura corporativa y de luto por la pérdida de su independencia creativa, salió de la casa de moda. Después de la bancarrota, Lacroix regresó a sus raíces: el mundo del diseño de disfraces. Desde entonces, ha creado lujosas miradas para las producciones de ópera y ballet en toda Europa, incluidas las carmen en la Opéra Royal de Versailles y La Fanciulla del West en Hamburgo.
Tiene una colaboración de larga data con Comédie-Française y también ha trabajado con los Bouffes du Nord, Opéra Garnier, Opéra-Comique y Théâtre des Champs-Élysées. Además, tiene una asociación con la marca Mediterránea Desigual. Liberado de las expectativas comerciales, ha adoptado esta etapa como una donde el arte prospera. Mientras se alejó de su casa de moda homónima en 2009, ha expresado la aprobación de la reciente adquisición de la marca de Sociedad Textil Lonia (STL), según un Post en Instagram.
Para obtener más información sobre las últimas lecturas de moda y estilo de lujo, haga clic aquí.
