Con una ola de nuevos anuncios de diseño que surgen de la Semana del Diseño de Milán 2026, gran parte del trabajo aún está por verse en su totalidad. Para los aficionados al diseño que navegan por el gran volumen de producción, la pregunta es qué es lo que realmente merece atención. explora-saberes ha recopilado una selección de obras expresivas que destacan por su ambición conceptual y material: la lámpara de araña gótica de ciencia ficción de Bethan Laura Wood; El debut de Kelly Wearstler y los muebles de H&M; y el de Tom Dixon Eje mesas, que cambian la percepción a través del sonido y la reflexión. Juntas, estas piezas reflejan un momento curatorial más amplio en el que el diseño privilegia cada vez más la experiencia sensorial y la profundidad conceptual, y cada obra invita al espectador a mirar más tiempo y pensar de manera más crítica.
Kelly Wearstler + H&M Home: gestos modulares en un palacio del siglo XVII
Los taburetes ‘Noxen’ crearon un sorprendente telón de fondo en la exposición de H&M + Kelly Wearstler durante la Semana del Diseño de Milán 2026. Imagen: thenordroom.com
Para su debut oficial en la Semana del Diseño de Milán, H&M Home se asoció con la diseñadora estadounidense Kelly Wearstler para transformar el Palazzo Acerbi, un edificio barroco que rara vez se abre al público. La instalación, producida por Studio Boum, se desarrolló en varias salas como un viaje sensorial coreografiado a través de rituales diarios. Los asistentes encontraron taburetes ‘Noxen’ que formaban composiciones escultóricas en el patio, mientras que el perchero modular ‘Mona’, acabado en laca marrón oscuro, anclaba la última sala. El jarrón ‘Curva’, con sus suaves formas esculpidas, se encontraba en el centro del salón.
Izquierda: el jarrón ‘Curva’ apoyado sobre una estructura de espejo cautivó a los asistentes. Imagen: thenordroom.com. Derecha: La colección de lámparas ‘Emera’ adornaba este espacio. Imagen: thenordroom.com
En el mismo espacio, los asientos ‘Soluna’ con formas escultóricas suaves y redondeadas cubiertas con telas táctiles se agruparon junto con los sistemas de asientos ‘Poma’, cuyas siluetas redondeadas, parecidas a manzanas, ofrecían taburetes compactos para sentarse acabados en materiales ricamente texturizados, ambos en capas contra papel tapiz a rayas para convertirse en una presencia escultórica inesperada. El sillón ‘Avers’, elaborado en madera maciza con líneas angulares limpias y asientos tapizados, amuebló la sala de prensa junto con la mesa ‘Ortra’, que combinaba una superficie de mármol con una base de metal cuidadosamente proporcionada. La serie de lámparas de mesa ‘Emera’, con un distintivo diseño de estructura metálica enjaulada en tonos profundos con recubrimiento en polvo, recibió a los visitantes en la entrada del palacio. Una fragancia personalizada desarrollada por Wearstler, con notas de flor de naranjo y Palo Santo, acompañó el recorrido. La instalación demostró cómo los sistemas de muebles modulares pueden funcionar simultáneamente como arquitectura y objeto.
Faye Toogood para Meritalia: La costura visible
Faye demasiado buena. Imagen: Meritalia.
La diseñadora británica Faye Toogood presentó ‘Crease’, una colección de asientos para Meritalia, en el Salone del Mobile 2026. La característica definitoria de la colección: costuras visibles dejadas expuestas intencionalmente, inspiradas en un suéter usado al revés. Las cubiertas de lana tensa envuelven formas angulares, parecidas a origami, desarrolladas durante la época inspiradora de Toogood en Japón. El sofá mide aproximadamente 7,8 pies de largo por 3 pies de profundidad por 2,5 pies de alto, y se combina con un sillón o sofá de dos plazas a juego.
Izquierda: sillón ‘Crease’ con costuras rojas expuestas. Imagen: Meritalia. Derecha: sofá ‘Crease’ con costuras rojas expuestas. Imagen: Meritalia.
Las costuras con ranuras contrastantes acentúan los pliegues gráficos en cada pieza. En lugar de ocultar la construcción, Crease la expone, convirtiendo la técnica de tapicería en un lenguaje expresivo. La colección se lanzó como parte de la presentación del grupo italiano Radical Design en la feria.
Patricia Urquiola at Alcova: Albini in Present Tense
Izquierda: Esta residencia patrimonial está repleta de muebles cuidadosamente seleccionados diseñados por Franco Albini. Imagen: Haworth. La exposición mostró la obra de Albini y fue elegantemente elaborada por Patricia Urquiola. Imagen: Haworth.
En Alcova 2026, Patricia Urquiola fue curadora de “Albini in Present Tense” en Villa Pestarini, una residencia diseñada por el renombrado arquitecto y diseñador Franco Albini entre 1938 y 1939. Como apertura inaugural para los asistentes amantes del diseño, la instalación funcionó por sustracción, sin superponer narrativa. Los muebles de Albini, reeditados por Cassina en colaboración con la Fondazione Franco Albini, encontraron su lugar dentro del espacio doméstico ampliado. Un sillón inédito de 1947, desarrollado específicamente para esta instalación, debutó junto con varias ediciones especiales. La villa de planta abierta, una clara expresión del racionalismo italiano, estableció relaciones entre el espacio, la luz y los objetos. La moderación de Urquiola permitió que los principios de transparencia relacional de Albini afloraran sin interferencias, demostrando cómo las consideraciones curatoriales contemporáneas pueden elevar la arquitectura modernista.
Frente para Marido: Geométrico
Efecto de boceto a lápiz en el sistema de sofás tapizados ‘Geometriæ’ de Front para Moroso. Imagen: Dezeen.
El estudio sueco Front y la marca italiana Moroso presentaron ‘Geometriæ’, una colección de muebles donde las piezas aparecen como dibujos en perspectiva tridimensionales que cobran vida. Cuboides y cilindros que se cruzan, tapizados con tejidos jacquard, reproducen los efectos de luces y sombras de los bocetos dibujados a mano. Existen dos variaciones: ‘Graphite’, con la calidad rugosa de las marcas de lápiz, y ‘Acquerello’, que imita las transiciones de color de la acuarela. El efecto crea confusión y distorsiona sutilmente la perspectiva.
Izquierda: Los diseños ‘Acquerello’ imitan el efecto acuarela en la tapicería. Imagen: Dezeen. Derecha: Más piezas de sofá ‘Geometriæ’ en otras formas expuestas en el evento. Imagen: Dezeen.
Sonia Lagerkvist, la mitad de Front, describió la luz y la sombra como «traducidas directamente a la superficie», creando tensión entre la forma física y la percepción. El proyecto surgió de la investigación autoiniciada de Front sobre la pureza geométrica como respuesta a los patrones amorfos. Los tejedores de Moroso desarrollaron textiles a medida para envolver cada volumen, y los diseños de Acquerello requerían complejidad para replicar la extensión fluida e impredecible de la acuarela.
Gae Aulenti: Pipistrello a los 40
El nuevo material y tono de las luces Pipistrello expuestos en el Museo de Orsay. Imagen: ifdm.design.
Para celebrar el 40 aniversario del Museo de Orsay, la reconocida marca de iluminación italiana Martinelli Luce presentó un acabado especial de la lámpara Pipistrello de Gae Aulenti, diseñada originalmente en 1965. El nuevo acabado cromático surgió del diálogo entre la lámpara y los espacios que Aulenti ayudó a transformar en la década de 1980, cuando diseñó los interiores del museo. La lámpara, producida para el showroom de Olivetti en París, experimentó originalmente con metacrilato y un mecanismo telescópico que define su silueta. El nuevo acabado absorbe un tono de la atmósfera de Orsay: un eco material de un detalle arquitectónico que pertenece a la identidad del museo. En el cono están grabados los logotipos del Museo de Orsay y de Martinelli Luce. Producida en tres tamaños, la edición une dos mundos: la escala monumental de las instituciones culturales y los objetos de la vida cotidiana.
Tom Dixon: Eje en Casa Manzoni
Tom Dixon con sus mesas ‘Axis’ en su evento durante la Semana del Diseño de Milán 2026. Imagen: Cosentino.
Dentro de Casa Manzoni, un hito neoclásico ubicado en el distrito Gerolamo Morone de Milán, Tom Dixon presentó ‘Axis’, una instalación estructurada en cinco entornos espaciales distintos: el Santuario, el Comedor, el Baño de Sonido, la Galería de Reflexión y el Foro. La instalación presentó ‘Ēclos’, la nueva superficie mineral de Cosentino construida con tecnología patentada Inlayr, que presenta cero sílice cristalina y más del 50 por ciento de contenido reciclado. La colección de mesas Axis, desarrollada con ACTIU, empresa española especializada en mobiliario de oficina, combinó geometrías de patas cruzadas con superficies Ēclos.
Las luces ‘Melt’ de Tom Dixon agregaron ambiente a algunas de las exhibiciones del evento. Imagen: Cosentino.
Sound Bath sumergió a los visitantes en un espacio donde las formas escultóricas del baño y las luces de superficie cromadas ‘Melt’ de Tom Dixon agregaron ambiente. La Reflection Gallery deconstruyó la geometría de la colección a través de instalaciones de espejos. A lo largo de la semana, el evento reunió a diseñadores como Michael Anastassiades y Sabine Marcelis para conversaciones moderadas por Paul Cournet, quien deleitó a los asistentes con conversaciones sobre la evolución de las tendencias de diseño.
Bethan Laura Wood para Baccarat: Mille Fleurs
Bethan Laura Wood posando con su lámpara modular de inspiración gótica de ciencia ficción para Baccarat. Imagen: Dezeen.
La diseñadora británica Bethan Laura Wood creó ‘Mille Fleurs’, una interpretación modular de la emblemática lámpara de araña Zénith de Baccarat, un diseño barroco introducido alrededor de 1850. Wood se convirtió en el primer diseñador en convertir la lámpara de araña en un sistema modular, construyendo anillos dispuestos vertical u horizontalmente sobre cables tensados. «Tenía curiosidad por saber qué pasaría si quitara el centro y abriera ese espacio», afirmó Wood con entusiasmo.
La lámpara de araña se puede apilar verticalmente mediante módulos. Imagen: Dezeen.
El diseño combina componentes clásicos de Zénith con nuevos elementos, incluida una versión en cristal del motivo floral de Wood de su colección Criss Cross, inspirada en México (2013). La paleta de colores se mueve a través de tonos verdes (del bosque al esmeralda) con toques de lila y dorado. Wood describió la estética como “Regreso a Oz, locura verde-esmeralda”. La escenografía de la exposición realizada por Emmanuelle Luciani colocó la lámpara de araña en un ambiente de catedral con luces de neón, bailarines y un paisaje sonoro tecno. Los apliques de pared a juego, apodados “las ranas”, completaron la colección. La memorable experiencia de paisaje sonoro gótico y de ciencia ficción dejó a los visitantes con algo de qué hablar.
Yinka Ilori por Veuve Clicquot: Persiguiendo el sol
Yinka Ilori en la instalación “Chasing the Sun” de Veuve Clicquot. Imagen: culturalee.art.
La diseñadora británico-nigeriana Yinka Ilori transformó la Mediateca Santa Teresa en una instalación inmersiva y un café temporal para la instalación “Chasing the Sun” de Veuve Clicquot. La colección de champán de edición limitada, lanzada durante la Semana del Diseño de Milán de 2026, celebró la luz, la alegría y la conexión humana a través del lenguaje de color y patrón característico de Ilori. Los objetos incluían un ‘Soporte del Sol’, ‘Tótems del Sol’ y una reinterpretación de la Flecha de Clicquot, hecha con materiales reciclados.
Yinka Ilori muestra a los invitados su diseño de soporte para champán inspirado en calabazas para Veuve Clicquot. Imagen: culturalee.art.
La forma del soporte para champán está inspirada en la calabaza, un símbolo de la cosecha arraigado en la herencia nigeriana de Ilori. El diseño de la botella se situó en el corazón del lenguaje visual, uniendo la tradición africana, el contexto británico y la identidad solar de la Maison. La declaración adjunta de Ilori decía: «En este mundo, tú eres el sol que persigues». La instalación funcionó como un espacio de exposición y una cafetería en funcionamiento, invitando a los visitantes a habitar e interactuar con el diseño.
Diseños expresivos que inspiran
La Semana del Diseño de Milán 2026 demostró que la expresión en el diseño no es una sensibilidad vaga sino una fuerza mensurable. En ocho instalaciones, desde la lámpara modular de cristal para Baccarat de Bethan Laura Wood hasta las superficies minerales que doblan el sonido de Tom Dixon, los diseñadores rechazaron la repetición segura y tomaron una dosis de desafío. Lo que une a estas obras es el riesgo. Kelly Wearstler colocó muebles dentro de un palacio barroco cerrado durante décadas. Faye Toogood dejó las costuras visibles, exponiendo la construcción como expresión. El frente convirtió la tapicería en una ilusión óptica. Patricia Urquiola prefirió la resta al espectáculo. Las luminarias Pipistrello de Gae Aulenti, cuarenta años después, siguen siendo un argumento a favor del metacrilato y la ambición telescópica. Para los profesionales del diseño, estas expresivas instalaciones no ofrecían novedad sino convicción: la sensación de que cada diseñador perseguía una lógica interna clara independientemente de la presión comercial. Ése es el valor de filtrar el diluvio. No todas las instalaciones merecen atención. Estos ocho eventos sí lo hicieron, porque cada uno dejó a los asistentes con curiosidad y asombro.
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